Bonjour ! On vous l’avait annoncé hier soir sur les réseaux sociaux, cette nouvelle sélection de nos coups de coeur a malheureusement dû être reculée d’une journée afin de pouvoir publier quelque chose de propre et surtout de relu. Le temps nous a malheureusement manqué hier (pourtant pour une fois on avait pris de l’avance !) nos journées étant très chargées tous de notre côté.
Mais on se rattrape tout de même puisque vous allez pouvoir découvrir nos coups de coeur ce soir, et comme vous allez le voir, cette sélection est très fournie et très diverse ! Alors bonne lecture à tous !
Sommaire :
Page 2 :
- ONEWE, un groupe pop/rock très prometteur !
Page 3 :
- Le dernier comeback coréen de FTISLAND
- Amber a les mains liées dans son dernier clip
Page 4 :
- La fitness est au rendez-vous avec Tokimeki ♡ Sendenbu !
- Airi Suzuki vous défie de l’attraper dans son single “Escape”
- AAA vous démontre ce qu’est un “Bad Love”
Page 5 :
- Les Monsta X méconnaissables avec “Love U”
- “Wash Away” : un nouveau coup de maître pour les The Fin.
Page 6 :
- Retour sur le comeback du guitariste Miyavi avec “Under The Same Sky” !
- Le groupe ONE OK ROCK dévoile une nouvelle version de “We Are” !
ONEWE, un groupe pop/rock très prometteur !
Aimant particulièrement les groupes de rock, j’ai toujours été plus sensible aux chansons qu’ils proposent qu’à celles des groupes traditionnels de K-Pop. Depuis quelques années, le rock s’invite de plus en plus dans le milieu sélect de la K-Pop, avec de grandes agences qui se permettent de miser sur l’apprentissage des stagiaires en chant et surtout en instruments de musique. Alors que le succès des groupes qui proposaient ce genre musical était limité à quelques têtes d’affiche, il y en a maintenant plusieurs qui s’illustrent facilement en Corée du Sud comme à l’international.
Même si j’ai toujours eu à cœur de soutenir les groupes de rock, j’ai mis un peu plus de temps à tomber sur ONEWE. Allez savoir pourquoi, je n’avais jamais eu d’écho sur ce nouveau groupe qui arrive en force depuis quelque temps dans le milieu musical coréen.
Le coup de cœur que je vais donc vous présenter est la chanson “Regulus” de ONEWE !
ONEWE, que l’on prononce “One-We”, est le regroupement de cinq garçons : Jin Yong Hoon, Ju Ha Rin, Kang Hyun Gu, Son Dong Myeong et Lee Gi Wook (Cya).
Sortie fin août, “Regulus”, signe le retour de ONEWE et leur première participation aux émissions musicales en Corée du Sud. “Regulus” est donc un morceau typiquement rock. Ainsi, on entend très distinctement les riffs de guitare, de basse, le synthé et le rythme imposé par la batterie. Comme dans chaque titre de ONEWE, le rôle de chaque membre est mis en avant et chacun a son moment phare dans la chanson.
Dans les couplets, la mélodie allie les voix douces et sensibles des chanteurs à des parties rapides de rap qui sont soumises à une auto tune différente. Il s’effectue alors un dialogue entre les trois voix qui parlent de l’amour d’une personne seule et perdue dans son monde qui rencontre quelqu’un qui arrive à entrer dans son univers pour le rendre moins pénible. On apprend au fur et à mesure de la chanson que cette personne souhaite partir sur une étoile, “Regulus”, et demande à son amour de se souvenir de leur coin de paradis tout en écoutant cette chanson. Dans ces paroles, qui racontent une histoire qui va crescendo, il y a de nombreuses références à l’espace. On parle là d’étoiles, de la distance qui les sépare de la Terre, mais aussi de la lumière de la Lune. L’amour est décrit comme une fleur qui éclot dans l’obscurité. Je trouve cette chanson intelligemment écrite. Même si elle parle encore et toujours d’amour, elle en a une approche assez différente qui est plaisante.
ONEWE l’a bien compris, le refrain est toujours l’un des moments phares d’une chanson. A ce moment-là, on se laisse porter par la voix exceptionnelle de Jin Yong Hoon et celle de Son Dong Myung.
J’aimerai m’attarder sur la voix de Jin Yong Hoon qui est, pour moi, l’une des plus belles que j’ai pu entendre. On l’avait bien compris dans la chanson “Reminisce About All”, le chanteur a des capacités vocales incroyables. Il a une aisance et une maîtrise de sa voix qui lui permet une stabilité certaine dans les graves comme dans les aiguës. J’ai eu un réel coup de cœur pour lui dans la chanson que j’ai citée plus tôt et “Regulus” me conforte dans l’idée que nous avons là un très bon chanteur qui n’a pas fini de nous montrer toute l’étendue de ses capacités.
Ainsi dans le pont de la chanson “Regulus”, Jin Yong Hoon nous régale avec une high note parfaitement réalisée, que ce soit en enregistrement ou même en live.
Ce morceau est donc un savoureux mélange de ce que peut faire de mieux chaque membre du groupe.
Concernant le clip, il est sobre. Le groupe joue sa chanson sur une grande esplanade et chaque membre a un visuel fort et travaillé. Je pense que l’image voulue était celle d’étudiants un peu rebelles. Dans tous les cas, on appréciera cette simplicité qui donne à ONEWE une certaine authenticité.
Le groupe ne s’est pas contenté d’une seule version originale de « Regulus ». Effectivement, ils ont déjà publié une version studio, guitare, acoustique et piano de cette même chanson. Cela montre leur capacité à décliner leur morceau avec la maîtrise certaine de leurs instruments.
Puisqu’il s’agit d’un groupe très complet, chaque chanson est écrite, composée et arrangée par les membres du groupe eux-mêmes. Et plus particulièrement par le guitariste Kang Hyun Gu et le bassiste-rappeur Cya.
Pour ceux qui l’aurait compris, ONEWE fait parti de l’agence RBW Entertainment, qui s’occupe de groupes tels que Mamamoo, mais surtout de ONEUS ! La liaison est certaine entre ces deux groupes, des petits nouveaux à se lancer en parallèle dans l’industrie par la même compagnie. Mais est-ce que les membres de ONEWE sont si nouveaux que ça ?
Vous les avez peut-être déjà vu dans l’émission “The Unit” sous l’ancien nom de leur groupe “MAS”. Ou par le biais de “Produce 101” saison 2 avec Son Don Myung qui a fait sa propre promotion ainsi que celle de ONEWE.
Ils ont déjà fait leurs débuts au Japon avec le premier mini-album single “ ¼ “ et la chanson-titre “Reminisce About All”. Ils ont eu beaucoup de succès dans ce pays, en entrant même dans le top 10 des singles de groupes coréens les plus vendus pour la première moitié de l’année 2019.
Nous n’avons pas fini d’entendre parler d’eux. C’est un groupe à suivre de très près !
Coup de coeur partagé par Nokyz
Le dernier comeback coréen de FTISLAND
Je n’avais pas eu le temps d’en parler dans notre précédente sélection puisque l’album était sorti le jour même, mais ce n’est que partie remise puisque voici mon avis sur ce nouvel et dernier album coréen de FTISLAND pour un bon moment malheureusement.
“ZAPPING” est le titre de ce nouvel album, sorti le 9 septembre en Corée du Sud. Il est composé de cinq pistes assez différentes les unes des autres même si l’on garde un thème central de l’amour et de la rupture amoureuse. Comme dit précédemment il s’agit du dernier album coréen du groupe avant une longue pause puisque le chanteur Lee Hong Ki va s’absenter pour son service militaire à partir du 30 septembre prochain. D’autre part, le batteur MinHwan est déjà papa et complétera prochainement sa petite famille avec deux jumeaux ! Une vie bien occupée pour lui et sa femme Yulhee.
Autre élément qui fait de ce comeback un événement important, il s’agit de leur premier retour à seulement quatre membres depuis le départ du leader Choi Jong Hoon suite au scandale du Burning Sun qui a fait tomber bon nombre d’artistes et de personnalités issues du monde du divertissement. Mais l’aventure continue pour FTISLAND même si une longue pause est à venir !
Le nom “ZAPPING” a été choisi pour faire référence au fait de changer de chaîne à la télévision jusqu’à trouver le programme qui nous intéresse le plus. Les chansons de l’album reflètent ce concept, proposant des sonorités différentes.
Pour rappel voici la tracklist de cet album :
1- 관둬 (Quit)
2- 다시 바래 (Hope Again)
3- 못 고치나 봐 (Day By Day)
4- 신기루 (사랑사랑사랑2) (No Regret – Love Love Love 2)
5- Don’t Lose Yourself
On commence par la chanson-titre de cet opus, “Quit”. On y parle d’un amour auquel on veut mettre fin. Certes, dit comme ça, ça paraît triste ! Mais il faut le voir plutôt dans le sens ou la relation n’est plus aussi intéressante qu’à ses débuts et qu’elle s’épuise. Les deux amants prennent de la distance sans s’en rendre compte tout de suite. Il arrive alors un moment où l’un des deux dit stop, pour ne plus continuer dans ce quotidien alors que les sentiments ne sont plus là. C’est ce que j’aime dans ce titre : il peut paraître triste mais ce n’est pas ce que transmet la musique. La rupture est en effet volontaire, il n’y a pas vraiment de regrets, il est juste temps de passer à autre chose pour avancer.
D’autre part, “Quit” me fait penser à leur célèbre titre “Severely” sorti en 2012. On retrouve le côté ballade rock bien que les émotions soient moins décuplées que dans “Severely” je trouve. Ce n’est toutefois peut être qu’une impression liée au fait que je connais cette chanson depuis bien longtemps mais aussi parce que j’ai pu la vivre en live lors de leur premier concert à Paris (et en terme d’émotions, je crois qu’il est difficile de mettre la barre aussi haut !). La voix de Hong Ki n’en reste pas pourtant très puissante et convergente vers un même message, celui de “quitter” cette personne, en coréen “Gwandwo” qui est répété de nombreuses fois pour intensifier le message.
Côté clip, il faut avouer qu’au premier abord c’est un peu confus. Il faut se pencher un peu plus dessus pour bien comprendre, en voici donc mon interprétation. Le groupe n’est pas présent dans cette vidéo tournée dans notre capitale française Paris, mais un couple d’acteur vient illustrer les paroles. On voit dès le début une jeune femme avec une petite horloge dans les mains. Elle remonte le temps passant d’octobre à septembre. Puis on remonte au fur et à mesure encore plusieurs mois plus tôt nous laissant découvrir des flashbacks de moments heureux passés avec son copain. En mars quelque chose semble différent, on peut voir qu’une distance semble s’installer entre les deux protagonistes. Des moments agréables passés à deux s’intercalent avec des moments où la jeune femme est seule semblant réfléchir à la situation, et à sa décision de mettre fin à leur relation, sûrement au mois de septembre qui est le point de départ du clip auquel on revient vers la fin. La vidéo se termine toutefois sur un rendez-vous entre les deux amoureux qui a probablement eut lieu bien avant tout ça : on apprend alors que c’est lui qui lui a offert la petite horloge quelques mois plus tôt. Cette horloge est un élément de souvenir qui permet à la jeune femme de se remémorer les bons souvenirs, mais aussi de porter un regard observateur sur les éléments qui l’ont mené à décider de mettre fin à cette relation sans regrets.
“Hope Again” est une piste dans laquelle on retrouve des sonorités plus fortes, plus puissantes dans la même lignée que “Where’s The Truth” ou encore “I Will”. On traite de nouveau d’une rupture mais sous un angle différent puisque cette fois elle est difficile et surtout douloureuse. La voix d’Hong Ki transmet cette douleur avec une force qui vous transperce !
“Day By Day” parle aussi d’une rupture, en expliquant qu’il est impossible de réparer ou d’arranger quelque chose qui s’est mal passé pour ou contre notre volonté. Ce titre exprime beaucoup de regrets contrairement aux deux pistes précédentes qui n’incluent pas cette dimension de la fin d’une relation. On entend beaucoup plus la voix de Jae Jin dans ce titre, qui vient se mêler de façon très harmonieuse avec celle de Hong Ki.
Les premières notes de “No Regret (Love Love Love 2)” m’ont perturbé lors de mes premières écoutes. Elles avaient une impression de déjà vu vraiment très importante. Il se trouve que l’introduction de cette chanson est assez semblable à certains titre de groupe de K-Pop INFINITE, et notamment avec leur titre “Back” si vous voulez comparer. Dans ce titre, les garçons font leurs adieux à une relation mais affirment ne rien regretter concernant cette décision. En se penchant sur les paroles, on peut voir qu’il y a quand même des regrets cachés. Est-ce qu’il s’agit de montrer qu’il est possible de se mentir à soit même ou simplement de montrer que suite à une rupture on essaie de garder la tête haute en cachant certaines choses ? Je ne sais pas, je vous laisse l’interpréter comme bon vous semble.
Petite précision à laquelle je n’avais pas fait attention la première fois que j’ai écouté cette chanson : le titre exact est “No regret (Love Love Love 2) apportant en fait une seconde partie au titre de 2010 “Love Love Love” qui avait très bien fonctionné commercialement à cette époque en Corée. Ce titre exprimait la fin d’un amour, mais avec beaucoup de tristesse et de larmes. Le second titre qui est donc sorti récemment est moins triste bien qu’il parle de passer à autre chose après une relation qui se termine tout en mettant la difficulté à faire ce pas en avant.
On termine avec “Don’t Lose Yourself” dont je n’ai pas trouvé de traduction des paroles malheureusement… Il s’agit d’une ballade rock comme les garçons en connaissent bien la recette et maîtrisent la moindre note. Très agréable à l’oreille, le petit plus restant la superbe partie live ajoutée à la fin, superposant des chœurs probablement interprétés par le public du groupe pendant un concert. Une superbe chanson mettant aussi en avant la voix des fans pour clôturer cet album.
Voilà vous avez à présent un peu plus de détails sur ce superbe album proposé par les quatre membres de FTISLAND. Il faudra le garder en boucle pendant quelques temps avant de pouvoir découvrir de nouvelles chansons. A noter toutefois que Jae Jin se lancera en solo au Japon le mois prochain et qu’il est fort probable qu’un single japonais sorte dans le courant de l’année prochaine, même s’il n’aura aucune promotion live !
Amber a les mains liées dans son dernier clip
Amber, cette petite étoile montante pleine d’énergie et d’une volonté incroyable ! Ce n’est pas la première fois que je parle d’une de ses chansons dans les coups de cœur et ce ne sera probablement pas la dernière fois non plus. C’est une artiste que j’apprécie beaucoup de part son univers musical tout d’abord mais aussi pour son implication dans de nombreuses choses et les messages qu’elle essaie de transmettre dans sa musique. Certains reflètent sa propre histoire alors que d’autres prennent positions sur des sujets qui lui tiennent simplement à cœur.
Comme vous le savez peut-être; elle s’est récemment détachée de son ancienne agence coréenne SM Entertainment en ne renouvelant pas son contrat. Elle tourne ainsi une page de sa carrière, pour en ouvrir une autre bien sûr ! Elle a depuis signé un contrat exclusif avec une agence américaine nommée Steel Wool Entertainment.
C’est sous ce nouveau label qu’elle a fait son retour le 20 septembre avec un nouveau single du nom de “Hands Behind My Back”. Bien que pour le moment publié sous format d’un single, cette chanson sera partie intégrante du prochain album auto-produit de la chanteuse, “X”. La date de sortie n’est toutefois pas encore connue (mais on ne manquera pas de vous tenir au courant, comme d’habitude !).
Il s’agit d’une piste dance captivante dans laquelle la chanteuse exprime la sensation d’avoir les mains liées dans le dos par une force extérieure qu’elle ne maîtrise pas et qu’elle ne peut dompter.
Amber a elle même participé à la direction du tournage du clip puis à l’édition. Elle semble être piégée dans une sorte d’hôpital psychiatrique où des personnes sont retenues contre leur volonté et tenus au silence par un masque. Je ne m’avancerai pas sur ce sujet, mais certains fans suggèrent que ce clip est lié à son passé avec son ancienne agence SM Entertainment. Ce clip et cette chanson pourrait être une illustration de l’emprise que l’agence a toujours maintenue sur la jeune femme, sur sa créativité et son envie de s’exprimer. Elle se libère aujourd’hui de cette pression et s’exprime aussi librement qu’elle le souhaite, comme le montre le masque laissé au sol à la fin du clip : la parole est finalement libérée. A chacun son interprétation tout de même !
Coups de coeur partagés par Tenshi41
La fitness est au rendez-vous avec Tokimeki ♡ Sendenbu !
Les Tokimeki ♡ Sendenbu sont de retour avec “Koi no Shape Up“. C’est un single très sportif est très énergique que le groupe nous propose cette année. C’est un groupe que je ne connaissais pas et franchement, j’ai adoré leurs énergies et couleurs, un très bon groupe à suivre.
La chanson est directement énergique, nous donnant du courage. Elle n’a pas un temps mort, sauf au moment de la chanson où les filles font semblant d’être très fatiguées pour relancer directement la musique. Elle est très motivante si vous voulez faire des exercices tous les jours. La danse est hyper énergique, avec des exercices de fitness qui sont plutôt sympas à faire le matin. C’est une danse que j’adore personnellement faire tout les matins ou soirs pour me dépenser. Les tenues sont vraiment très belles, le tout avec la touche de couleur de chaque membre. La couleur or des vêtements et même les lacets de la couleur des membres est vraiment bien choisie, je voudrais tellement avoir ce genre de vêtements pour me dépenser. En plus, la musique est addictive pour même en rêver. Alors qu’est-ce que vous attendez ? Enfilez votre plus belle tenue de sport et dépensez vous avec elles !
La version danse est déjà sortie en entière pour vous entraîner et perdre des kilos ici :
Airi Suzuki vous défie de l’attraper dans son single “Escape”
Airi Suzuki, anciennement membre des célèbres °C-ute, est de retour avec son single “Escape“. Ce single est aussi accompagné d’une autre chanson : “IDENTITY“.
Le titre “Escape“ est une piste très puissante et girl power. La chanson en elle-même est très addictive et montre des airs espagnols. Elle me fait aussi penser au style de chanson de Yamashita Tomohisa, mais encore cela n’est que mon avis. Les notes d’Airi sont très belles et la chanson est bien rythmée, donc impossible de s’ennuyer dessus. Les tenues sont toutes incroyables, que ce soit de la robe blanche au costume de détective, mais aussi à sa tenue sexy pendant la chorégraphie. Vraiment les tenues sont à voir pour le budget mis dedans. La chorégraphie est digne du Hello!Project : rythmée, synchronisée mais surtout magnifique. Même si le clip est presque simple au vu des décors, tout le reste compense avec la chorégraphie.
Pour “IDENTITY”, Airi est revenue en une fille très mignonne, aux côtés de musiciens pour mieux donner un goût rock à ses fans. Sa tenue est vraiment magnifique encore une fois, la robe lui va vraiment bien je trouve. Pour ce qui est de la chanson, je trouve qu’elle fait très opening d’anime. Airi démontre une fois encore qu’elle peut autant percer dans le mignon que dans le sexy. Le chanson est vraiment très belle, et avec de très bonnes notes qui donnent du peps à la chanson et nous empêche de nous refroidir. Le clip est simple pour les plans d’Airi en train de chanter avec les musiciens, mais là où le clip est dynamique sont les scènes animées d’une fille tout droit sorti d’un manga et qui renforce cette impression d’opening d’anime, alors que cela n’en est pas un. C’est vraiment une chanson très rafraîchissante.
AAA vous démontre ce qu’est un “Bad Love”
Les AAA sont bien de retour en ce fin de mois, toujours avec une chanson à succès comme à chaque fois en tant que groupe mixte : “BAD LOVE“.
Pour bien commencer, je vais parler de la chanson en elle-même. Elle est très rythmée dès le début, ce qui est vraiment appréciable. Les voix de chacun sont mises en avant et les harmonies entre les membres sont vraiment géniales. Mon coup de cœur est bien évidemment le rap de SKY-HI, qui casse le rythme général de la chanson dans le refrain. Vraiment cette chanson est géniale, on ne s’ennuie pas en l’écoutant et on a envie de se lever et de danser ce qui nous vient à l’esprit. Pour ce qui est des costumes, ils sont simples mais classes et collent vraiment au thème. Pour ce qui est du clip, l’idée du gris en fond pour faire ressortir des couleurs est pas mal. Avec le fond en gris, on est attentif justement aux membres et à la peinture, ainsi que le fauteuil. Notre œil est concentré en un point, et ne se disperse pas. Le clip est simple, mais efficace. La peinture représente le saignement du cœur dans une relation amoureuse toxique. Le clip est vraiment bien, simple, classe, efficace et direct.
Si vous êtes curieux, rendez-vous ici :
Coups de cœur partagés par Faith
Les Monsta X méconnaissables avec “Love U”
C’est bien connu, les Monsta X se sont ces derniers-temps lancés à la conquête de l’Amérique. Avec “Love U”, c’est presque comme si les garçons s’étaient déjà transformés en artistes américains, à la façon d’un méli-mélo entre la sensibilité de Lauv et le style de Troye Sivan.
Très pop, “Love U” aurait été la chanson estivale parfaite ! Composée du début jusqu’à la fin en anglais, “Love U”, c’est à peine trois minutes de bonheur intense, et pourtant, suffisantes pour nous satisfaire et égayer une journée qui s’annonçait un peu difficile.
Ce single digital arrive après le tube “Who do You Love”, dont l’équipe s’est très franchement délectée. Plus coloré, plus léger, plus “américanisé”, “Love You” flatte nos oreilles sans nous agresser ni même apparaître comme trop franchement éloigné du paysage K-pop. Les MONSTA X ne cessent de nous surprendre par leur maîtrise du genre, leur habileté à passer d’un style à l’autre et leur capacité à y poser leur voix sans trop de difficulté.
Avec un accent parfait en anglais dont on ne cesse de vanter les mérites, les MONSTA X deviennent une véritable machine de guerre dans la pop américaine, et on espère qu’ils sauront encore se renouveler et nous proposer un contenu toujours plus diversifié.
Et même si la production n’est pas la plus exceptionnelle, même si les voix sont parfois modifiées à tel point qu’on a du mal à en reconnaître certaines, les 7 garçons de la Starship ont toute la grâce d’interpréter à merveille un style de morceau, qui finalement, ne nous déplairait pas si on le retrouvait de nouveau.
Jooheon, Shownu, Minhyuk ou encore I.M sont parfaitement dans leur élément et chacune de leur voix est d’une délicatesse remarquable ! On aurait très franchement apprécié que le titre anime notre été, même si il ne manquera pas de nous ensoleiller l’automne.
A savourer juste ici :
“Wash Away” : un nouveau coup de maître pour les The Fin.
Toujours plus de rétro, toujours plus de sensibilité, toujours plus de musicalité, ce sont les maîtres mots du groupe indie The Fin. Sans faire une review complète de l’EP, il faut reconnaître que “Wash Away” est à couper le souffle !
A la façon d’un tube de city pop, cette tendance musicale à cheval entre la funk et le rock des années 80, très prisée au Japon, les The Fin. réinventent le genre. Composé de “Crystalline”, “When The Summer is Over”, “Wash Away“, “Melt Into The Blue”, “Come Further” et “Gravity” – sorti en août 2019 en version vidéo – l’album est une exaltation, non plus du potentiel, mais bien de la maîtrise complète du duo – et de ses travailleurs de l’ombre qui lui sont très fidèles -. En nous confiant dans une interview ne pas être encore prêt à écrire en japonais, le groupe s’est montré d’une maturité rare.
D’une qualité impressionnante, d’une diversité surprenante -malgré l’ostinato dans lequel on a l’impression de tourner-, d’une musicalité sans nom, “Wash Away” est définitivement le genre d’album qu’il nous faut pour rêver, pour se laisser aller, être un peu mélancolique parfois aussi, nostalgique ou simplement flotter sur un petit nuage.
Mention spéciale à “Melt Into The Blue”, qui porte vraiment bien son titre ! C’est le morceau qui nous a le plus touché, le plus envoûté, peut-être parce qu’il est plus mystique, plus unique que les autres. La voix de Yuto Uchino est une caresse, un chuchotement sublime pour nos sens. Un morceau est un chef d’oeuvre quand il parvient à nous procurer mille et unes sensations à la fois, complètement paradoxales, de la sérénité à l’agitation , et qu’il nous dérange vraiment, non pas parce qu’il nous met mal à l’aise, mais parce qu’il meut quelque chose en nous, en nous faisant sortir de nos retranchements et en y laissant son empreinte. “Melt into the Blue”, c’est un vertige délicieux, dont l’écho embrume l’esprit. Pourquoi ? Parce que la pédale de basse tenue permet d’amplifier cette sensation de flottement, parce que les accords au synthé donnent un rythme unique au morceau, ou encore parce que les sonorités électroniques en défient ses allures rock. Effet par ordinateur, illusion auditive ou respiration ? Difficile de trancher.
Ce qui est exceptionnel dans le titre qui s’écoule à une vitesse improbable, c’est son côté absolu : on imagine très bien une danseuse qui souffre terriblement, les traits tirés et les joues ravagées par une vallée de larmes de la même manière qu’il est aisé d’imaginer une personne apaisée, heureuse, le regard ailleurs, perdue dans la contemplation d’un paysage onirique. “Melt Into The Blue” raconte une histoire sans nous empêcher de nous créer nos propres histoires, d’où sa magie. C’est à celui qui écoute de donner la tonalité qu’il souhaite au morceau.
En d’autres termes, le voyage est intemporel et spatial même si Yuto le chante : “le temps passe”.
Les artistes sont inspirés et insufflent une oeuvre unique, presque dramatique -dans son sens premier-, qui aguiche clairement une époque passée, des années écoulées mais jamais oubliées et on affectionne toujours plus leur univers lorsqu’ils assument leur ambition de revenir à ces racines tout en continuant à créer du nouveau, parce que, tel qu’il est écrit par l’auteur Hwang Sok Yong, “l’eau qui s’écoule ne revient jamais”. Même la jaquette de l’EP en dit tellement : ses tonalités bleues, sablées, son côté vintage et les titres de l’album rendent leur monde encore plus légitime, encore plus séduisant et encore plus honnête.
Voilà en réalité la prétention de l’album : se débarrasser de toutes les choses vaines, pour ne plus que se mêler aux couleurs, aux sons, à la musique et aux sensations. The Fin. ne manquent pas de nous rappeler certains musiciens pour lesquels la transe artistique est la quintessence de la musique. Avec leur approche unique, ces prodiges transforment tout ce qu’ils touchent en or, et on ne peut que leur tirer un chapeau bas pour ce talent qui ne cesse de se broder. On ne doute pas de leur capacité à dénouer davantage les énigmes de la musique et à toujours nous étonner.
Leur originalité et leur sincérité leur vaudront leur réussite, alors ne passez surtout pas à côté des révolutionnaires de la scène indépendante japonaise :
Coups de cœur partagés par Okame
Retour sur le comeback du guitariste Miyavi avec “Under The Same Sky” !
Le guitariste japonais MIYAVI a fait son retour en juillet dernier avec un nouveau MV qui se nomme “Under The Same Sky“. Le clip est une pure offrande pour ses fans puisque toute les images ont été filmées lors de ses différentes tournés à travers le monde au Japon, en Europe, en Amérique du Nord et en Asie. Il enchaînera en octobre en Europe avec le MIYAVI“NO SLEEP TILL TOKYO”World Tour 2019 Europe et ensuite en novembre en Asie avec le MIYAVI“NO SLEEP TILL TOKYO”World Tour 2019 ASIA et pour finir au Japon avec le MIYAVI“NO SLEEP TILL TOKYO”World Tour 2019 JAPAN.
Le MV de “Under The Same Sky“ est disponible à cette adresse :
Miyavi est un artiste que j’ai connu grâce à une amie il y a trois ans, mais j’ai n’ai pas vraiment écouté ses chansons depuis. “Under The Same Sky“ est ma chanson du moment elle est juste parfaite je n’avais pas d’attente à son sujet mais dès les premières secondes le MV a clairement attiré mon attention ; il est très simple rien d’extraordinaire mais avec MIYAVI de rien il arrive à en faire quelque d’incroyable. Dès la première note tout s’est accéléré : on voit d’abord le chanteur dans un avion et à travers le hublot on peut voir le ciel et les nuages. On voit ensuite MIYAVI qui rencontre ses fans dans plusieurs pays avant ses concerts belle action de l’artiste qui montre qu’il est quelqu’un d’accessible et de simple qui sait remercier ses fans qui sont là pour lui. On voit des séances photos avec ses fans un beau souvenir pour les heureux chanceux qui ont pu assister au concert, on peut voir MIYAVI dans son quotidien qui va au restaurant, qui fait du tourisme, plusieurs plans en voiture et en train on étés utilisés, en train de répéter dans un studio, à la sortie de son hôtel. On voit également les fans faire la queue pour voir MIYAVI en concert, mais aussi on le voit plusieurs fois sur scène avec des plans du public qui en prend plein les yeux et les oreilles par l’artiste. A un moment on le voit qui découvre une immense couronne de fleurs que ses fans lui ont offert magnifique preuve d’amour envers lui. Il y a beaucoup de plans sur lui qui s’amuse en coulisse avec ses musiciens et le staff de sa tournée ou lors de dîners. Tout comme l’indique le titre de sa chanson “Under The Same Sky“ Miyavi met ses fans à la même hauteur que lui même si c’est un artiste connu il sait comment remercier et prendre soin de ses fans.
MIYAVI sera en concert à Paris le 8 octobre prochain sur la scène du O’Sullivans Le Backstage By The Mill et à Bordeaux le 9 octobre sur la scène du Rock School Barbey deux dates françaises à ne pas louper.
Le groupe ONE OK ROCK dévoile une nouvelle version de “We Are” !
Le groupe de rock japonais ONE OK ROCK a dévoilé le 30 juillet dernier une toute nouvelle version de son single “We Are“, enregistré lors de sa tournée qui se nommait “ONE OK ROCK 2018 AMBITIONS JAPAN DOME TOUR”. Un DVD est d’ailleurs sorti le 21 août sous ce même nom.
“We Are“ en nouvelle version, c’est à voir dès maintenant à cette adresse :
Vous l’aurez sans doute remarqué si vous êtes un fan des ONE OK ROCK, mais cette chanson est bel et bien une réédition de leur titre “We Are” ; et pour les moins initiés, cette chanson a originellement été dévoilée le 9 janvier 2017. ONE OK ROCK est un groupe que je connais depuis un petit moment déjà, et même si je ne peux pas me considérer comme étant le plus fan de OOR, je dois dire que leurs chansons sont superbes, qu’ils ont beaucoup de talent ; que ce soit le chanteur Taka ou les autres membres du groupe Toru, Ryota et Tomoya, chacun apporte sa petite touche artistique à la formation. Le groupe s’est formé en 2005 et depuis son ascension a été fulgurante ; ils sont vites devenus des artistes connus à l’international, notamment depuis leur lancement officiel sur le marché américain, et le groupe se produit d’ailleurs très régulièrement en dehors du Japon.
En 2014, un film documentaire nommé Fool Cool Rock était sorti au cinéma, réalisé par Hiroyuki Nakano, où l’on retrace la tournée “Who are you?? Who are we??“. La première version de “We Are“ sortie en 2017 ne m’avait pas plu, peut-être parce que je ne suivais pas réellement le groupe à cette époque, mais cette nouvelle version de la chanson m’a beaucoup plu car on y capte ici l’ambiance d’un concert du groupe ; le public donne le rythme du début à la fin, c’est un pur plaisir pour les yeux, la qualité des images est sublime et surtout le jeu des caméras a été travaillé à la perfection entre les différents plans que nous propose la vidéo. Mais le point que j’ai le plus aimé, c’est bien entendu l’énergie du groupe, surtout celle de Taka qui un charisme à couper le souffle. Plus de deux ans après la sortie initiale de “We Are”, ONE OK ROCK nous ont proposé une performance incroyable à travers un MV qui a de quoi nous émerveiller à chaque seconde qui s’écoule.
Coups de cœur partagés par Shadows